Era solo un niño, pero llegó a personificar la belleza masculina. Su fama fue tal que fue conocido para siempre simplemente como «David». El humilde pastor que mató al guerrero más formidable de los filisteos, el gigante Goliat, y luego fue coronado rey de Israel, ha sido el tema de algunas de las obras más icónicas de la historia del arte. Los mejores escultores de Italia, Donatello, Verrocchio , Miguel Ángel y Bernini , rompieron el molde con sus David, mientras que pintores como Guillaume Courtois, Rubens, Reni y Caravaggio crearon emotivas obras maestras de él en óleo.
Descrito en la Biblia como de «hermosos ojos y una hermosa apariencia», su historia dramática y su buena apariencia lo convirtieron en la musa perfecta. La figura de David se ganó los corazones por primera vez en Florencia en 1408 cuando Donatello di Niccolo di Betto Bardi, poco más que un niño, esculpió en mármol un David joven y victorioso con la cabeza cortada de Goliat a sus pies.
Con la reciente inauguración de Donatello: Sculpting the Renaissance en el V&A de Londres, la obra maestra llega al Reino Unido por primera vez, uniéndose a una copia del segundo y más conocido David de Donatello, fundido en bronce 30 años después, y parte de la colección permanente del museo. recopilación.
El cuerpo bien formado y realista del David de mármol y la pose de contrapposto ligeramente retorcida marcaron un alejamiento de la rigidez de la escultura medieval y fue una señal temprana de que, con el dominio innovador de Donatello de este medio desafiante, la misión del Renacimiento de revivir el conocimiento y la belleza de la antigüedad clásica estaba en el camino correcto.
Si admiramos la belleza del niño, se debe en parte a la inusual humanidad de la obra de Donatello. «Aunque idealizado, el joven héroe tiene un sentido del individuo», le dice a BBC Culture Peta Motture, curadora principal de la exposición Donatello de V&A. La escultura de Donatello «agrega una sensibilidad psicológica» y demuestra la «comprensión de la psique humana» del artista y su «capacidad innata para capturar un momento».
La escultura en este momento siempre fue arquitectónica, por lo que cuando se decidió que el David de mármol de Donatello no estaría en un contrafuerte de la catedral de Florencia como se pretendía originalmente, sino en el Ayuntamiento, un nuevo papel para las estatuas como popular y político quedó grabado en el arte. historia.
Retirado de la iglesia, David ya no era solo un personaje religioso, sino que se convirtió en una figura alegórica para otro desvalido: Florencia. Contra todo pronóstico, la pequeña ciudad-estado había vencido a los agresores de los territorios vecinos. «Los dioses brindan apoyo a los valientes luchadores por su patria incluso contra los enemigos más temibles», dice una inscripción en latín debajo de la escultura.
El regreso de Donatello al tema de David a fines de la década de 1430 resultó en la primera escultura desnuda independiente desde la antigüedad. La obra era inusual: no solo era un encargo privado (para el hombre más poderoso de Florencia, Cosimo de’ Medici), sino que su ubicación prevista en el patio de una villa significaba que estaba diseñada para ser vista desde todos los lados.
Si admiramos la belleza del niño, se debe en parte a la inusual humanidad de la obra de Donatello.
Representado después de la batalla, David está de pie sobre la cabeza del gigante, con la poderosa espada de Goliat en la mano. Su sombrero de pastor parece afeminado, su pose coqueta, su cuerpo infantil y su trato a Goliat brutal. Para el ojo moderno, es una obra de contradicciones, con la desnudez de David que parece denotar tanto pureza como deseo. Algunos críticos especulan que Donatello, un homosexual que vive en un lugar y una época en los que los hombres mayores solían cortejar a los jóvenes, sexualiza deliberadamente a su David, mientras que otros consideran que esta interpretación es un anacronismo.
Hablando con BBC Culture, Jason Arkles, un escultor, profesor e historiador del arte con sede en Florencia, y presentador del podcast The Sculptor’s Funeral , está claramente en el segundo campo. «No hay ningún aspecto sexual aparte de que se muestran sus genitales», dice. «El arte no es nada sin contexto. Si no entiendes por qué se hizo una escultura, te estás perdiendo la mayor parte de la historia». Las obras de arte de la época siempre se encargaban, subraya. «No son solo objetos de belleza o vehículos de autoexpresión».
Mucho se ha hablado de las sensuales plumas que suben por la parte interna del muslo de David, pero la explicación de Arkles, como escultor, es mucho más pragmática: «Donatello estaba construyendo una armadura, como nunca había visto. Era más grande y tenía que estar completamente oculto dentro de la figura misma». El ala que sube por la pierna simplemente fortalece la parte más débil de la escultura. Que cualquier artista arriesgue su sustento al expresar pensamientos profundamente personales en una comisión es muy poco probable, dice Arkles. Donatello probablemente solo estaba «superando un par de obstáculos técnicos», dice, «en lugar de decidir, con esta estatua fuera de toda su carrera, enarbolar su bandera».
línea de belleza
Sesenta años más tarde, Miguel Ángel apoyaría su David desnudo en un lugar similar esculpiendo un tocón de árbol detrás de una pierna en un cuadro vacío. Goliat ha desaparecido de la obra de arte y el niño héroe, reuniendo su coraje para luchar, llama toda nuestra atención. Donde el bronce de tamaño natural de Donatello levantó las cejas, el David de gran tamaño de Miguel Ángel (1501-4), el David más famoso de todos, también provocó fuertes reacciones cuando la escultura de mármol ocupó una posición destacada en la plaza principal de Florencia.
Primero se apedreó al coloso de 5 m de altura, y más tarde se colgó de su cintura una guirnalda de hojas de latón que ocultaba su hombría. Se dice que la reina Victoria, a quien el Gran Duque de Toscana le regaló una copia de la estatua, se sintió tan ofendida por su desnudez que mandó hacer una hoja de parra para cubrir los genitales. Hoy, la estatua reside en el V&A, junto con un molde de yeso de la hoja. De hecho, los genitales de David pueden ser una desexualización calculada de la estatua: su pene inusualmente pequeño, un intento deliberado de minimizar su sexualidad.
La gente no solo se conmovió hasta las lágrimas, sino que se conmovió a escribir poemas y dejarlos al pie de la estatua – Jason Arkles
En esta misma cuestión de proporción, este dechado de belleza masculina con su espesa cabellera, su mandíbula fuerte y su cuerpo tonificado está, en una inspección más cercana, lejos de ser perfecto. No solo el pene de David es demasiado pequeño, sus manos y su cabeza son demasiado grandes. Incluso se decía que el mármol del que está tallado tenía defectos, un rechazo de un David iniciado por Agostino di Duccio bajo la tutela de Donatello décadas antes.
Los David desnudos tenían menos que ver con los cuerpos ideales y el atractivo sexual que con demostrar un nivel de habilidad artística no visto desde la antigüedad, al mismo tiempo que celebraban el cuerpo humano y el creciente conocimiento del Renacimiento sobre él. «Una toga puede ocultar una multitud de errores», dice Arkles. «Cuando haces una figura desnuda, no solo tienes que hacer todas las partes, tienes que hacer que funcionen con todas las demás partes, y eso fue un triunfo procesal». Incluso cuando el escultor Andrea del Verrocchio vistió su David de bronce en 1465, lo hizo de manera translúcida, siguiendo el camino abierto por Donatello y mostrando la belleza y la complejidad de la forma humana.
Sin embargo, la belleza física de David es principalmente un reflejo de su moralidad. Es hermoso por dentro y por fuera: una mascota de Florencia y un símbolo de buen gobierno y ciudadanía ideal. En contraste con la emoción y el físico desenfrenados que vemos más tarde en el período barroco con el David de Bernini , el Renacimiento, emulando el clasicismo, vio la racionalidad, el control y la virtud cívica como la marca de un hombre. Posicionado mirando fija y desafiantemente hacia Roma, el David de Miguel Ángel encarna estas cualidades y llegó a representar la libertad y la independencia de la República Florentina.
El simbolismo de la estatua no pasó desapercibido para la gente de Florencia. «Es casi imposible imaginar conectarse con una obra de arte de la forma en que los florentinos se conectaron con el David», dice Arkles. “La gente no solo se emocionó hasta las lágrimas, se emocionó a escribir poemas y dejarlos al pie de la estatua. Se convirtió prácticamente, por poco tiempo, casi en un objeto de veneración religiosa por su significado”.
En una ciudad tan repleta de tesoros artísticos, es revelador que el David de Miguel Ángel siga encabezando la lista. Los visitantes hacen cola para ver el original en la Galería de la Academia o pululan alrededor de su réplica en la Piazza della Signoria. Hoy en día, los puestos de souvenirs de Florencia están repletos de recuerdos de mal gusto de la obra popular, al igual que 500 años antes, los artistas que creaban artículos coleccionables a pequeña escala en bronce y terracota sacaron provecho del prestigioso tema y su atractivo ganador.
Los artistas contemporáneos todavía están encontrando nuevas formas para David. El artista turco-estadounidense Serkan Özkaya creó una réplica de oro similar a un buda de 10 m de altura del David de Miguel Ángel para la Bienal de Estambul en 2005, mientras que el artista residente en Los Ángeles Kadir Nelson exploró la idea de un David negro en 2019 .
Nadie sabe con certeza quién modeló para los David y si la belleza cincelada de estos últimos modelos masculinos caminó alguna vez sobre la Tierra en carne y hueso. Importa poco. Ninguna otra figura masculina ha capturado la imaginación del público de manera tan duradera ni ha sido un vehículo tan importante para el esfuerzo artístico.
Sin embargo, una deuda debe ser reconocida. «Cada David ha tenido un impacto, al igual que cada artista a lo largo de los siglos», dice Peta Motture de V&A. «Sin embargo, cada uno de ellos le debe algo a Donatello».